空灵婉转，戏曲电影“传统之美”惊艳大屏幕

“如果要评选520最美的电影，我一定选它。”“不懂戏曲，但这部戏曲电影太美。”“终于有点理解了戏曲之美，空灵婉转，有想象空间。”……

收获这样正面评价的，是刚刚上映不久的首部4K全景声粤剧电影《白蛇传·情》。在豆瓣网上，这部电影获评8.1分。

猫眼App显示，《白蛇传·情》上映5天票房达312.5万元，排片率只有0.8%，但上座率达1.1%，同期《速度与激情9》上座率为0.6%，而《悬崖之上》则是0.7%。尽管票房不算高，但观众中有不少并非戏曲爱好者，不少网友自发呼吁增加《白蛇传·情》排片量。

近期“热”起来的戏曲电影，还有刚刚上映的由滕俊杰执导、上海出品的8K京剧电影《捉放曹》，拿下去年金鸡奖最佳戏曲片奖的3D全景声京剧电影《贞观盛事》。此外，不少戏曲电影网上评价都不俗，京剧电影《霸王别姬》豆瓣评分达9.0，《锁麟囊》达9.4分。沪剧电影《挑山女人》则被年轻观众评价为“真实而感动”。

“年轻人对国潮、国风非常有兴趣，能通过电影这种现代表现方式向年轻人传递戏曲文化，是一种积极的尝试。”尽管有了“出圈”苗头，但一些业内人士也担心，过于“讨好”年轻人，过于强调电影技术，会削减戏曲的精华内核。

要写实，还是要写意？

“戏曲部分没有发言权，但作为电影真的是美。”记者日前走访多位看过戏曲电影的观众发现，他们最明显的感受是“传统之美”。

中国传统审美讲究“写意”。相比电影具象化、写实化的取景、道具等，戏曲在舞台上往往陈设简练，全靠戏曲演员表演带动观众“脑补”。例如京剧《三岔口》里经典的深夜打斗场景，在戏曲舞台上光线不减，一桌两椅，全靠演员步态和动作设计来营造“摸黑”感。

“连上五色下五色都不分，一桌二椅的布景程式都不理解，还来导演京剧？”一部戏曲电影下的评论，强调戏曲与电影的“泾渭分明”，首要差异就在“审美”上。

过去，部分戏曲电影往往呈现两种截然不同的表达方式：要么直接将戏曲舞台影像化，要么将戏曲人物放进实景之中。但这两种方式的弊端十分明显：前一种无法体现电影的优势，而且对戏迷票友来说现场感不够；后一种人物与场景完全割裂，有观众表示，“画着大花脸的人物出现在现实的建筑场景中，格格不入”。

从场景布置到服装设计，《白蛇传·情》对比舞台上的戏曲演出，“实体化”非常明显，但又不是完全用电影的方式布景取景。例如剧中的城镇，小桥流水，白墙黛瓦，构筑出江南水乡的风貌。但实景之外又虚化了远景，用影影绰绰的方式消解了现实感，予人水墨画一般的质感。很多观众都提到片中“水漫金山”一段，白素贞与小青站的礁石和水面很真实，却通过颜色贴近水墨感，远处群山壁立更是虚化写意。特效制作的巨浪翻涌，仍采取这样的色调，让滔天巨浪既有真实感，也有水墨流淌的飘逸感，观众评价“声势更在画面外”，甚至有人看出了“二次元感”。

事实上，戏曲舞台与影视作品的互鉴一直在探索中。徐克导演的《青蛇》，不仅让更多电影观众感受到戏曲妆“铜钱头”的美感，影片中青蛇与白蛇的动作打斗戏，不强调电影动作戏的“真实感”，反而以演员舞蹈般的动作和定点肢体语言展现美感，这是戏曲舞台上常见的表达方式。上海京剧院出品的《大唐贵妃》，则尝试运用多媒体影像技术，将传统艺术与现代科技相融互补，让原本相对简单的舞台景象变得丰富多彩。沪剧电影《挑山女人》干脆采用了将生活原型人物与舞台艺术形象交融拍摄的方式，保留戏曲和电影的双重优势。

中国艺术研究院戏曲研究所所长王馗表示，戏曲与电影表达不同，比如戏曲中不少经典场面是通过人物唱段展现内心世界，但这样直抒胸臆的方式在电影中很难表达。他提出：“戏曲电影能不能创造属于戏曲电影的语汇和表达方式？”

名角星光，还是团队化？

《白蛇传·情》中白素贞的扮演者是广东粤剧院院长曾小敏，她曾荣获戏曲梅花奖、文华表演奖，堪称如今粤剧“名角”。但记者发现，大多数年轻观众是冲着电影预告片中精彩的场景走进电影院的，“想看看戏曲电影如何做视觉呈现”。

“与戏曲围绕‘名家名角’不一样，电影是工业化产品，演员只是其中一环。”有业内人士坦言，“虽然很多粉丝喜欢谈论影视剧演员‘扛票房’能力，但电影票房很难靠演员一己之力来支撑”。

虽然不少观众观影并非因为戏曲，却因为电影对戏曲演员和舞台表演有了好奇心。从微博超话等网络讨论热度来看，近期电影的好口碑成了曾小敏“出圈”的关键，不少年轻人因为看了电影想去看她现场演绎的舞台版本。

“戏曲电影要出圈，需要更多融入电影的创作方式，也需要经典戏曲之外的新编故事。”有电影业内人士表示，电影《霸王别姬》曾让不少人对京剧产生兴趣，而在国外，电影明星参与舞台剧或歌舞电影很常见，佳作也层出不穷：电影明星主演的歌舞电影《红磨坊》是戛纳电影节的开幕片，《芝加哥》《爱乐之城》《悲惨世界》不仅票房丰收，还赢得诸多电影奖项——透过明星影响力，吸引更多观众从电影院走进剧场，感受现场的魅力。

然而与国外电影明星反哺歌舞电影或音乐剧作品不同，传统戏曲唱念做打的功夫是需要从小练习的“童子功”，影视演员很难经过短期训练就能表演戏曲。

在一些业内人士看来，戏曲电影一方面要发挥“名家名角”的魅力，通过他们的娴熟功力传播和沉淀戏曲的魅力；另一方面也可以综合运用电影表现手法，为更多年轻戏曲演员开辟新的舞台，或启用有戏曲功底的影视演员，让戏曲电影扩大受众群。

“戏曲电影造星”“明星带动戏曲关注度”，国内早有先例。越剧表演名家徐玉兰、王文娟，在越剧电影《红楼梦》中的表现至今为人津津乐道；1984年越剧电影《五女拜寿》，让茅威涛、何赛飞、陶慧敏一举成名，“小百花越剧团”名噪一时；黄梅戏影视剧的风行，不仅让马兰、吴琼等黄梅戏演员家喻户晓，当时几乎人人都能哼唱几段。而1987年的电视剧《红楼梦》选角，很多重要角色来自戏曲领域，例如王熙凤的扮演者邓婕就是川剧演员。

心系票友，还是吸引年轻人？

记者日前走访上海多家影院发现，《白蛇传·情》的观众几乎全是年轻人。“粤剧我都是从港片里了解到的，但这种呈现方式还是很新鲜的。”市民秦先生和女友一起来观看这部电影，“看下来并不觉得粤剧带来了观看门槛，反而戏曲化的呈现很有中国特色”。

有影视评论公号认为，《白蛇传·情》“不仅拥抱技术，更主动接近年轻审美”。这样的“接近”几乎体现在《白蛇传·情》的方方面面：比如手绘的“国风”海报，水墨山水和亭台楼阁，衣袂飘飘的主人公，被网友称为“520最美海报”。又比如电影的预告片，最早“引爆”是在B站，光弹幕就有200万条。相比之下，过去不少戏曲电影往往在这方面“吃亏”。例如沪剧《挑山女人》，有人在网上留下评论：“如果不是得奖，我就错过这部电影了。”

但在一些戏曲迷看来，《白蛇传·情》“过于讨好年轻人”。记者走访发现，不少年轻观众认为电影中的“戏曲唱段比预想更熟悉、更舒服”。据介绍，这部电影不光在场景制作上“电影化”让年轻观众乐于观看，就连唱段也改编得更为通俗流行，甚至还加入了西洋管弦乐。但这样的改编让部分戏曲票友感到不满，喜欢戏曲的陆先生表示：“戏曲有其独特的表达方式，如果为了吸引年轻人就进行大幅度改编，这是对戏曲的异化。市场供给年轻人的文化消费已经够多了，为什么不能做一点纯粹的戏曲方面的影视？”

“任何文化形式都是发展变化的，戏曲也不例外。”也有人认为，纵观戏曲历史，始终随时代变化而变，“如今一些人说起戏曲，唱腔、行头、布景都不能变，否则就是‘背叛历史’。但戏曲不仅是为票友服务，更要面向青年拓展。戏曲数百年前的形态、演进历史，可以放进博物馆记录、存档案研究，但想要戏曲长久生存、具有活力，就要顺应市场要求，争取更多爱好者，拍摄戏曲电影就是这样的尝试。”市民杜先生以歌舞电影《红磨坊》为例，故事背景是19世纪末，却大量运用1970年至1990年的流行音乐，其中包括埃尔顿·约翰、大卫·鲍伊乃至玛丽莲·梦露的歌曲：“不仅没让我对音乐剧留下错位的观感，反而吸引我进入剧场欣赏经典音乐剧。”

“现在很多年轻观众看不懂戏曲片，一个重要原因是不理解戏曲表演的程式。”上海电影家协会副主席、上海戏剧学院教授石川表示，戏曲表演的核心是它的程式，戏曲电影的推广不能放映了事，而要对戏曲传统的表现手法和它的美学程式进行普及性的讲解。“对戏曲电影，除了运用3D等电影技术，还应在其他方面有更大幅度的探索。”

《白蛇传·情》出圈，再次佐证了不少业内人士“戏曲电影大有可为”的观点。戏剧评论家赓续华认为，从历史经验看，凡有电影进入的剧种，都是发达的剧种，想成为新时代的大剧种，必须与电影结合。“越剧《红楼梦》、黄梅戏《碧玉簪》、秦腔《三滴血》拍成电影后，对三个剧种的传播都起了很大作用。”

文艺评论家仲呈祥认为，戏曲电影在彰显戏曲的美学魅力和培养新的戏曲观众方面有作用，也能更好地与当代消费文化相适应，“但是戏曲电影永远取代不了舞台戏曲，它们是各司其职的，只能互补生辉、共同前进，不能重此轻彼，更不能互相代替。时代呼唤既通戏曲又通电影的审美规律、而且善于把这两门艺术交融整合、创造出戏曲电影各美其美、美美与共的瑰丽表现方式”。