专访《紫川·光明三杰》导演张萌:写实，是有美感的

2000年代网络文学蓬勃发展，以架空背景的战争权谋题材着笔的《紫川》在数以千计的网络小说中脱颖而出，这部作品定位男频，有权谋争斗的尔虞我诈，有征战厮杀的剑拔弩张，但金戈铁马的豪迈之外也有兄弟袍泽、儿女情长的细腻，具有感染力的元素颇多，世界观庞大，斩获粉丝无数。

最初，拿到灵河文化给到的剧本，导演张萌便发现《紫川》这部戏的定位非常特殊。跟总编剧田良良沟通的过程中，大家有一个共识：题材不能做成古偶风。“因为它本身的时代感和历史感很足，如果拿古偶的方式处理，最终呈现建立的世界观，能让观众相信的东西就会变少”。

比起男频、女频之分，主创们更在意的是观众对故事本身的相信，因为只有先相信才能沉浸、共情。任何题材的作品，俘获观众的关键，永远是心的链接。

这份关于“相信”的挑战，首先就来自原著的架空背景。神话般的西川大陆，人类、魔族、远东各族刀与剑的碰撞，原作天然就给观众设置了理解门槛。导演对总制片人韩冰提出一个概念方向，《紫川》的剧集本质上是一部架空版《三国演义》，将剧版的背景改放在中国古代，以写实的方式呈现，是最恰当的处理。

拍成有厚重感的史诗传奇，与其说是主创的野心，更不如说是团队对作品在策划、编剧端赋予的最佳锚点。

在张萌看来，写实与现实主义，并不是同一个概念。现实主义作为一种“主义”，相对来说还是有理想化的特质。而写实，则是针对一个世界细致的描摹再现，通过大量真实的细节，让这个世界里的人、物、事件精细化合理化，从而让人相信。在这个标准下，哪怕是一部科幻片，都可以是真实的、可感的。

在剧本的基础之上，张萌为剧版的《紫川》做了大量的参考准备——展开筹备工作之初，导演团队首先制作了一个一百多页的“整体视觉方案”，包含差不多六七百张图，从环境、场景、服装到光影，都有一个大方向的规划，分块之后再做出更详细的方案。“前期筹备时，每一个场景哪怕一件道具我们都会参与设计，尽可能详尽地做出准备。但是在拍摄的过程之中，我会将这些东西都抛开，因为比起前期的构想，我更相信现场的某一束光或者说演员的某个状态。准备是必要的，但那一刻真实的片场，才有着我最看重的写实感。”

“不是说做写实就是特别粗粝的，反而，写实是有美感、有味道的。”张萌说。

让观众相信人物‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍

剧版的名字最终被定为叫《紫川·光明三杰》，三杰这个词，意味着主创希望将剧中的人物作为讲述的重点。写实下的相信，不仅是要让观众相信紫川的世界观，更重要的，是相信里面的人。

剧情故事中，三杰对应的人物是流变的——老三杰紫川远星、哥应星、杨明华，新三杰紫川秀、帝林、斯毅林。都说三角是最稳定的图形，倘若三角缺失了一角，原本平稳的局面就会变得动荡。老三杰中紫川远星的离世，让胸有城府的杨明华失去压制；一心维稳的哥应星，捉襟见肘；佯装失势的紫川参星，蓄意挑唆，让局面越发失控；新三杰身入乱局，自身难保，进退维谷。新老两代人有着不同的欲望与立场，主创用了相当多的细节，呈现出每个人物复杂且多面的写实。

作为主角团的新三杰，每个人各有底色。男一号紫川秀极为聪慧，表面放浪不羁，实则一腔热血、有情有义，作为统帅，武艺高强，运筹帷幄。帝林的性格相对复杂，阴鸷冷血的同时，对兄弟之情却极为看重。斯毅林则是一个典型的军人形象，严以律己，忠诚、有担当，一身正气。三人性格各异、个性鲜明，在故事中群雄逐鹿的时代背景之下，所有的行为逻辑都被雕琢得令人信服。例如杨明华叛乱帝都的那个夜晚，帝林绝杀叛党，手上染血；斯毅林正面抗衡，守住总长府；紫川秀推动计划，维稳中间派的军官，在更核心的层面保住紫川。人物的性格、动作、台词、思维，在剧情中不断稳立人设，成了一个个复杂但具体的人。这就是主创的写实。

主创团队围读剧本时，杨旭文的形象越来越与主角紫川秀贴合——有棱角的面相如同古希腊雕像，有英雄气，同时身上兼具松弛的一面，恰恰符合紫川秀的特质。现实中安静少语的刘宇宁，有一种帝林所需的气场。张铭恩则与斯毅林一样，有着某种刚毅且柔软的特质。更相信演员自身状态的主创，在选角时就将“特点、质感、合适”作为基础标准，让演员自然发挥出角色自身的魅力。

张帆饰演的杨明华，老谋深算，但是有一个打铁的特别爱好，经常一边谈事一边打铁。随着剧情的发展，观众会发现，打铁原来是紫川远星的喜好，作为兄弟，杨明华传承了这个习惯，每一次打铁，都是在缅怀逝去的友人。初期的反派人物，一下子有了更立体的形象，是主创设计的写实妙笔。

杨明华的打铁、紫川参星的玩具、哥大人喜欢战后收集小礼物，每一处细节，都暗含了人物的性格、品质与背后的故事。对于一部权谋剧而言，如果只是单纯描述权谋的明争暗斗、战场的腥风血雨，其实很难表达出更深刻的内核。导演张萌认为，这部剧中有太多“言不由衷的戏”，台词与演员的真实内心是隔着的，直接看词观众也许很难理解角色的言外之意。因此，后期剪辑时，导演张萌保留了大量角色并不说话的默片片段，用以传递那些只能意会的关键信息。例如饰演紫川参星的马少骅老师，往往就是递杯时的一个小眼神，就会击中人物的味道。这些往常或许会被剪掉的片段，都被悉心留存，有了全新的化学反应。

正是因为《紫川·光明三杰》很好地将底层的、微观的个体细节与高层的、宏观的家国融合在一起，才让人更能体会剧中人物的种种抉择，所有的立场、苦衷、身不由己、舍身报国，都有了更好的注解。

“把这所有的小设计跟人物的心理做勾连，慢慢开始有细节填充进去，就是我们塑造写实的过程。”

做通畅的、技巧完备的好表达‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍

追看《紫川·光明三杰》的观众们称赞，剧作的光影很有舞台剧感。在不同的场景中，权谋叛乱时深蓝色系的冷色调，人物相互袒露心声时暧昧的火光，让光影也成为了叙事的一部分。某一幕紫川秀与紫川参星对峙的戏份中，光都打在了紫川秀身上，周围则是一片阴郁，光暗的交错，让情绪与氛围的处理得到了更好的表现。

导演张萌认为，更好的环境、光线包括道具都是戏的一部分，他会自己调灯、调构图，包括道具等方方面面都会顾及，为作品的最终呈现做出更高强度的努力。

一般来说，古装戏的外景光都会有一个底子光的概念，如果是夜景的月光，接地的部分会放很多的蜡烛与火把突出月色之冷。但在拍摄《紫川·光明三杰》时，张萌认为，写实思路之下，真实的月光并不会很强；月光不会形成光束，也不会有很冷、很硬的月光直射出来；如果一个城市灯火通明，那么它的光污染应该很重——这是基于世界观的现实逻辑。于是，在做特效概念时，主创在城里立了好几个四五十米高的燃火台，用暖光来处理作为底子光的月光。这样的处理之下，剧集的夜戏部分呈现出了一种暖色的底子光，整个画面就会显得花团锦簇，还会有写实的美感。

音乐同样是主创非常用心处理的环节。张萌强调音乐是一门独立的叙事语言，“一场戏的画面跟音乐是要各自独立又交相辉映的，音乐本身就是一场戏，而不是说某一处人物哭了就得配合悲音。我们这次做音乐所有的点都是说，这场戏讲什么我们就写什么音乐，而不是跟着某一处的小情绪走。”

导演与在好莱坞工作过的青年作曲家陈雪燃，达成了一个共识——做成《信条》般有大量合成器的音乐，用很酷很新的元素，把传统的交响管弦跟中国味道用电子做一个碰撞。“我们非常明确，不要古偶的那种中国风音乐，不要一到古装戏就想起国风笛子。我们在配曲上很大胆，中间甚至有一段用的是古典吉他。那场是紫川秀和紫川宁的重场感情戏，两个人喝醉酒然后互相表白，那场戏光做得很好，表演也很好，音乐一直有一个淡淡的古典吉他在。你会有一种很奇妙的感受，非常合适。”

“我没有什么刻意的类型方向追求，唯独想做通畅的、技巧完备的好的表达。因为古装剧要无中生有，对于制作来说，工作很复杂，难度很高，做古装戏这六七年时间，让我积累了大量的制作经验，用于更好地完成更多的作品。”张萌这样表示。

作为青年导演，他谈及自己的导演历程时很坦诚，2007年上学时，从没想过自己会在十年之内拍上戏；虽然个人的努力和时代的浪潮让他赶上了网络市场的勃兴，但他始终认为既然选了这行就是要吃苦的，“如果你真的热爱这个东西，你就不能把功利性放在很靠前的位置”。

导演张萌（中）‍‍‍‍‍‍

一张王家卫导演早年的采访图，张萌一直存在手机里：“别人问他一个问题，你对于青年电影工作者有什么忠告，王家卫的原话是，‘要有耐心，非常耐心，要学会等待’，你如果真正喜欢这个，你在没有戏拍的时候要积累够，当机会来到你面前的时候，你才走得好。”

正是出于对行业的热爱与对技能的专精，让张萌终于迎来了机会，他也获得了“伯乐”——灵河文化白一骢的欣赏和支持，得以为观众接连创作出了多部作品。当下，张萌自己参与编剧，计划做几部现实题材的剧本；与此同时，他始终把电影放在一个神圣和特殊的位置，他说终究还是要去拍电影的。

或许，要面对的作品，是剧集还是电影，是古代抑或现代，都不再重要。导演的制作公司叫惊梦，谈及由来，张萌说虚构叙事作品，无论是文学还是影像抑或是音乐，本就是一场令人惊异的梦。法无常法，充满热情地努力工作，就是对我们工作最好的写实。